Días Extraños

Devorador De Pecados (The Order) - 2003

2006-08-23T10:33:00.000-03:00

Bueno, no es mucho sinceramente lo que se puede decir de "Devorador de Pecados", fuera de que es, en aspectos generales, una mala película. Ni siquiera logra entretener, deber fundamental de este tipo de película pochoclera.

No hay elementos fuertes para destacar del film en sí, que de hecho es por momentos aburrido. Heath Ledger actúa mal, Peter Weller salva un poco (Robocop para los que no se dieron cuenta) y el resto son bastante detestables. Pero quiero centrar la crítica en un punto específico, en referencia a este género de películas de "ficción religiosa" que proliferan bastante en el cine norteamericano, no así en el cine europeo.

Recordemos que Estados Unidos es un país de religión predominantemente protestante. Partiendo de esa base, y que el tipo de público que consume estas películas también lo son, me revuelve la cabeza encontrar una explicación a por qué, necesariamente, todas estas películas (malas o buenas) tienen que basar sus fundamentos en la Iglesia Católica y sus creencias. De hecho, la mayoría de las veces, el protagonista es un sacerdote, y otras tantas tiene unos cuántos conflictos internos. Son muchos los ejemplos, partiendo de la joya que es "El Exorcista", "Estigma", esa porquería de Antonio Banderas "El Cuerpo" o la misma "Devorador de Pecados". El patrón es innegable. Todos cuestionan su fe, como si ser un sacerdote católico implique ser un eclesiástico del Vaticano rancio o un "cura con onda" y falta de fe, dicotomía inevitable. Sin embargo, automáticamente confirman que las creencias católicas son ciertas, hacia el final, encontrando una explicación sobrenatural sólo encuadrable en la doctrina romana.

Esto puede tener dos lecturas. La primera y más probable, es que se ve el catolicismo como cuentos de ficción, creencias fantasiosas capaces de desarrollar muy buena ficción. No se puede tomar en serio a un demonio, ¿no? ¿Cuántos vemos al mes? Y es cómico como siempre la Iglesia se esfuerza por "tapar" todo, como si tuviera demasiados secretos para esconder. No planteo aquí cuestiones de fe, simplemente el análisis lleva a pensar que los filmógrafos tienen esta perspectiva.

La segunda lectura, menos obvia pero más interesante, es que no pueden encontrar en su manera de encarar la religión posibilidad de actos de Dios directos, "sobrenaturales", y de esta manera terminan casi diciendo, sin querer, que si Dios actuara directamente lo haría en el marco de lo que los católicos creemos.

Esto desemboca, si queremos divagar un poco, en que al hacer estas películas se genera esa sensación de religión incompleta en los protestantes. Y en parte es cierto, ¿qué religión funciona bien sin misticismos?

Lo último es remarcar cómo los cristianos (en su totalidad) somos los únicos que permitimos cualquier tipo de modificación de los íconos religiosos preestablecidos. Las reacciones, incluso las más fuertes estilo "Código Da Vinci" o "La Última Tentación De Cristo" nunca progresan demasiado. Ahora si se trata de un ícono judío, musulmán o hindú, la defensa será mucho más aguerrida y es probable que se generen problemas fuertes (¿Se acuerdan del revuelo por ésta caricatura de Mahoma?)

Los dejo que escojan que enfoque es más probable... Si no ven la película no se pierden de nada

El Hombre Del Tiempo (The Weather Man) - 2005

2006-08-20T20:56:00.000-03:00

En el blog amigo "Me Hice Caca" se publicó la siguiente crítica de la película "The Weather Man" y aunque no la vi, me pareció interesante para postearla aquí. Los invito a entrar al blog, de reciente creación.

Al fin veo un estreno que me gusta después de -¿meses?- de sequía. Fue The Weather Man, que no entiendo por qué estrenaron directamente en video. En la línea del abundante cine de disconformidad y apatía, crítico al american way of life –donde podríamos pensar a American Beauty, Happiness y el cine de Solondz, lo último de Jarmush e incluso, estirando un poco el criterio, Fight Club y cia.-, me parece que ésta de Verbinski tiene un par de aciertos. Si bien utiliza el mismo recurso de “hombre desesperado se siente oprimido por la estructura” de las anteriores, la clave de la película está lejos de ser el desprecio y la risa fácil, que había sido lugar común en la mayoría, a excepción quizás de Broken Flowers. Hay, en cambio, un intento -al parecer sincero- de identificación y comprensión que la emparienta más bien al cine de Anderson -en un universo mucho menos extravagante-. Tal vez por esto pueda parecer conformista el final: porque Verbinski se cuida de la soberbia de juzgar con una verdad a su personaje, y el costo de la complejidad y textura que pone en sus estados de ánimo, es cierta ambiguedad en la dirección de su crítica. No hay una respuesta simple al problema del sujeto y la estructura, a la insoportable limitación en las elecciones. Por ahí es cierto, y no hay tantas opciones como a veces quisiéramos creer, ¿pero eso debe significar necesariamenteque que hay que conformarse con seguir la corriente?. Una visión optimista de ese final de tinte objetivista, podría sugerir que la lección de David Spritz –el “hombre del pronóstico” protagonista-, es que importa tanto qué hacemos, como por qué y cómo lo hacemos. Si no hay control sobre el destino y el azar, si una tormenta de granizo puede destruir nuestros cálculos, si las decisiones no tienen consecuencias claras, un cambio interno parece allí, el más posible.

Estoy convencido de que ésta es la canción para ilustrar el ánimo del pobre Sprintz.

Vecinos Invasores (Over The Hedge) - 2006

2006-08-14T03:02:00.000-03:00

Nuevamente tratamos con otra película de animación. Y otra vez, lamento decir, tengo que repetir bastante de los conceptos que desarrollé en la crítica de "Cars", y esto es, que las películas de animación están perdiendo calidad a pasos agigantados. De todas maneras, antes de seguir, quiero aclarar que ésta es muy superior a la última de Pixar.

“Vecinos invasores” es otra película es otra de las cientos con animales que cobran vida, y tienen actitudes humanas. La receta típica, un animalito que no es del todo bueno, y se redime al recibir el trato de otros, enmienda sus errores y forma parte de la hermosa comunidad. Bla bla bla, eso no es lo importante, por lo menos acá. Aunque no debemos ser del todo crueles, hay gags bastante buenos, sobre todo los concernientes a una ardillita histérica bastante cómica, cuya voz es del genio cómico de Steve Carrell.

¿En qué es mejor ésta sobre “Cars”? Principalmente en que los chistes son bastante mejores, las voces son buenas (Bruce Willis y Nick Nolte sobresalen) y no es tan larga. Pero es un producto más, no se va a recordar por mucho tiempo. De todas maneras, no me arriesgo a decir que es “mala”, pero el gusto que me queda en la boca no es de lo más dulce. Queda claro, de todas maneras, que siempre lo mejor sale de la interacción con personajes humanos. Y quizás por eso las mejores películas de sendos estudios sean “Shrek” y “Los Increíbles” en los últimos tiempos, porque estamos un poco cansados de ver animales decir pavadas.

Así, corta me sale la crítica, porque no hay mucho más para decir. Vayan a verla, no se van a aburrir, pero tampoco van a recordarla por mucho más de un par de días. Se van a reír, eso sí, tiene partes muy graciosas, pero son cortas y menos ácidas que en “Shrek” por ejemplo. Y Dreamworks copia las malas costumbres de Disney: viene con moraleja y todo… ¡A no comer nada de comida chatarra!

Aclaración: Todo esto viene de un amante del cine de animación…

Donnie Darko - 2001

2006-08-09T10:20:00.000-03:00

Mucho me insistieron para que viera esta película. Aparentemente, hoy se ha vuelto un clásico de culto en un género en el que veo la vanguardia del cine hollywoodense, que hoy concretamente no es un género reconocido por la crítica.

"Donnie Darko" es un film oscuro, pero con diferentes matices. Relata la vida de un chico, aparentemente medio loco y
muy inteligente que ve cambiar su vida radicalmente cuando un conejo siniestro y gigante le salva la vida de una turbina de avión que misteriosamente cae en su cuarto. El personaje principal es interpretado correctamente (no más que eso) por un por entonces ignoto Jake Gyllenhaal. Así como lo escuchan, todo tiene mucho sentido al momento de mirar la película.

A qué me refiero con esto del nuevo género, se estarán preguntando. Bueno, si buscan en mis archivos podrán ver una crítica de "Stay" de Marc Forster, otra película que englobo dentro de este género. Es un tipo de cine que va y viene, mezclando los acontecimientos y que obliga a uno a leer artículos en internet para terminar de entender la película. Ejemplos hay varios, algunos muy buenos, como "Memento", "Mulholland Drive" o "Terciopelo Azul" y otros que se quedan en el camino como la mediocre "El Efecto Mariposa". Esta nueva narrrativa, a quien atribuyo la invención casi exclusivamente a David Lynch, es bastante difícil de lograr y encuentra muchos adeptos, así como muchos detractores que no soportan no entender la película la primera vez que se ve. Aparentemente está por salir una con Adrien Brody con el mismo estilo (“The Jacket”).

"Donnie Darko" utiliza este tipo de narrativa, y lo explota bien. Llegan ciertos puntos en los que uno no sabe qué es real y qué no, hasta que llega el final y caen muchas fichas en su lugar (y otras tantas hay que acomodarlas en nuestra cabeza). Los personajes son estereotipos y están bien manejados, ninguna actuación es realmente destacable pero ninguna es mala tampoco, son funcionales a la trama y es más que probable que reflejen fielmente lo que el director tenía en mente. Maggie Gyllenhaal convenientemente es la hermana del protagonista y Drew Barrymore, irreconocible, es una transgresora profesora que marca el camino de alguna de las acciones de Donnie.

ATENCIÓN: SPOILERS A CONTINUACIÓN: Richard Kelly, el director, en sí relata lo que ocurre al ocurrirse un quiebre en la línea tiempo-espacio y crearse un universo paralelo, una tangente en el tiempo donde los acontecimientos son distintos a los del universo principal, y si no se cumplen ciertas condiciones, el universo puede colapsar, ocasionando el propio Apocalipsis. Sí, todo suena muy rebuscado, pero es realmente interesante como está tratado el tema, como lo simple de la historia contiene un significado tan profundo como salvar al mundo de su destrucción. En la versión original, se pierde un poco de esto, por eso recomiendo tanto para los amantes del film como para los que no lo vieron aún, el “Director’s Cut”, ya que se entiende mejor y tiene una edición aún más lograda. FIN DEL SPOILER.

Muchas escenas son perturbadoras, sobre todo aquellas que incluyen al mentado conejo gigante, y el clima oscila entre opresivo y juvenil, con transiciones lo suficientemente suaves para que no moleste. Es para destacar la aparición de Patrick Swayze como un gurú de la autoayuda, mucho mejor que la mayoría de sus papeles. También recomiendo entrar al sitio (si saben inglés) después de asistirla, brinda información complementaria y a la vez es bastante interesante.

Sinceramente, ahora entiendo porque me la recomendaron. Es interesante como con un presupuesto bajo se pueden lograr verdaderas maravillas. La recomiendo para ver (y volver a ver) como algo diferente.

24 / 5ª Temporada (24 / Season 5) - 2006

2006-08-05T20:21:00.000-03:00

INTERCAMBIO BLOGKULTURAL: Siguiendo con el intercambio, nuestro blog amigo Mavrakis y Valdés publicó el siguiente texto mío en referencia a la serie 24. Los invito a entrar al mismo.

Pocas veces la televisión sufrió quiebres como el que causó 24. Por ello, voy a hacer una excepción y realizar una crítica de la última temporada, la quinta, porque lo merece y la alcanza una calidad que pocas películas consiguen.

Para todos los que no la conocen, es una serie en tiempo real que relata 24 horas en la vida de Jack Bauer, encarnado por Kiefer Sutherland, un agente de CTU (Counter Terrorist Unit) con el objetivo de detener algún tipo de ataque terrorista. No quiero detenerme demasiado en lo artístico, ya que es impecable. El suspenso y la adrenalina que genera en el seguidor no tiene comparación en la televisión. El guión, las actuaciones y la edición (¡lo digo dos veces!) son impecables. Y en la última temporada levantó la calidad que venía flaqueando en las anteriores. Les propongo que la vean, y disfruten.

Pero es otro punto el que quiero analizar. Contrario a lo que uno se inclina a pensar, la serie fue concebida antes del 11-S, e inclusive tuvieron que cambiar secuencias de la primera temporada incluyendo aviones para no herir susceptibilidades. Jack Bauer es un tipo de héroe muy particular, bastante opuesto al convencionalismo de otros héroes estilo Jack Ryan – Harrison Ford (Peligro Inminente) o John McClane – Bruce Willis (Duro de Matar) en el sentido que no duda en torturar o matar a un propio compañero de ser necesario, por pedido de los terroristas. Sin embargo, es mucho más coherente con el pensamiento americano, y gusta mucho más ahí esa falta de escrúpulos para defender al propio país, aunque eso implique exiliarse, perder una esposa o a los mejores amigos. Es un personaje de carisma enorme, que Sutherland se encargó de desarrollar con un talento poco visto en televisión. Ya firmó para 3 temporadas más y una película en el medio, y yo aplaudo, porque es un actor que se merece reconocimiento. Irónicamente, Kiefer es canadiense…

El estado de miedo constante que vive por estos tiempos el país del Norte, el pánico generalizado inventado por el gobierno para mantener el control, quintuplica el éxito de una serie como 24. Pero sobresale lo siguiente: cuando las únicas personas con cerebro que quedan en USA se quejaban por el implícito apoyo al gobierno instaurando miedo, la serie se animó a cambiar las figuritas y mostrar al gobierno propio como titiritero del pánico, del terrorismo, y por sobre todo, del arrollar a otros países en la búsqueda de petróleo. Esta movida de ajedrez implicó un directo golpe al gobierno bastante sorpresivo, sobre todo viniendo de su “Grupo Clarín”, la cadena FOX.

Muchos norteamericanos vieron la serie y seguramente no entendieron este mensaje. De hecho, los ratings no fueron mejores que los de la temporada anterior, aunque la calidad de ésta fue altamente superior. Y ahí nos preguntamos si no ven la realidad porque no los dejan, o porque no les conviene. Creo que como con los Simpsons, no entienden el mensaje implícito, sino tan solo la superficie, el vestido.

Creo que es un ejercicio interesante olvidarse por un rato de nuestros pensamientos políticos, y disfrutar de la mejor serie de acción de todos los tiempos. Por su calidad, por su suspenso, por como atrapa. Disentir en el pensamiento político no quita el disfrute de la serie.

Comentario aparte: Destacable la aparición de Sean Astin (el Sam de El Señor de los Anillos) como Lynn McGill. Un grande.

Trabajo Basura (Office Space) - 1999

2006-08-03T01:09:00.000-03:00

Nuevamente me embarco en una crítica que me involucra en lo personal, en este caso por motivos totalmente diferentes.

“Office Space” es una comedia de Mike Judge, el creador de “Beavis & Butthead” que utiliza una historia simple para formar una gran comedia sobre la vida de oficina tal y como se vive hoy (o a principio de los 90’, es que la cosa no ha cambiado mucho).

Peter Gibbons es un empleado de una empresa moderna para la época, fortuitamente llamada Initech y trabaja en un mínimo cubículo. Lleva una vida patética, con una novia fea que lo engaña y 8 jefes diferentes. Vive amargado y lleva una vida sin sentido. Es muy bien interpretado por Ron Livingston, más recordado quizás por su rol en “Band Of Brothers”, acá explotando un costado cómico suyo que no conocía. De repente, en medio de una sesión de hipnosis el asesor de pareja se muere de un infarto, siendo sus últimas palabras “Y ya no te importará más tu trabajo”. Aquí cambiamos de película y el personaje toma un giro completo para ir a trabajar en remera, maltratar a su jefe y animarse a invitar a salir a la mesera que tanto le gusta, interpretada por Jennifer Aniston, nuestra querida amiga.

Habiendo trabajado yo mismo en una compañía americana (de nombre muy similar a la ficticia) lo más asombroso del filme es como refleja la vida monótona de oficina de una manera ultrarrealista, incluyendo cosas como los despidos acompañados de los empleados de seguridad, o esa manera tan particular de expresar un error tuyo de los jefes queriendo ser “amables” y “comprensivos”. Los personajes son estereotipos fácilmente ubicables en cualquier empresa multinacional, caricaturizados, claro está. Inolvidable la escena en que destrozan una impresora, infaltable dolor de cabeza en cualquier empresa.

Más allá de que “Office Space” es una comedia para pasar el rato, demuestra algo que cada día es más claro: los seres humanos no nos sentimos bien trabajando en oficinas, no es natural y a casi nadie le gusta su trabajo. Como encaramos esa situación es lo que nos diferencia, como el protagonista en un principio, resignándose y reprimiendo emociones hasta un día explotar de una u otra manera, viviendo mediocremente, o intentando absorber esa realidad sin que nos absorba a nosotros. El mundo occidental tal y como lo conocemos no permite un éxito económico considerable sin adaptarse a esta estructura, y en nosotros está adaptarnos o esperar un milagro (como ser estrella de rock o algo así). La tercera opción, claro está, es ser parte del rebaño.

Hacia el final el personaje termina como albañil. Un trabajo con muy bajo nivel de stress, pero fácil y al aire libre. Y yo me pregunto, si hacer estos trabajos tuviera la misma remuneración que ser gerente de una empresa, ¿no seríamos muchos más los integrantes del proletariado?

Recomiendo la película, en especial a toda aquella gente (como yo) que recientemente haya tenido un problema en su trabajo o esté pasando una situación de hartazgo con el mismo. Hay mucho material para reírse (en parte también de uno mismo). No se van a arrepentir. Pero cuidado con tomársela demasiado en serio…

Gatica, El Mono - 1993

2006-07-31T14:53:00.000-03:00

IMPORTANTE: La redacción de nuestro blog amigo, "Mavrakis Y Valdés", siguiendo lo que acertadamente supo llamar "intercambios blogkulturales", nos entregó este maravilloso texto sobre el film "Gatica, El Mono", trazando un paralelo con el peronismo en la Argentina. Próximamente podrán ver en su blog un texto de mi autoría.

Cine peronista
La primera noción ligada a algo del orden del acierto tuvo una constatación rotunda: cuando Oscar Terán preguntó sobre objetos de la cultura peronista y una voz – que pudo sentirse propia – dijo “Gatica, el mono, de Leonardo Favio”.
El profesor Terán inclinó la cejas hacia el portador de aquella voz, guardó unos segundos de silencio, y dijo: “Muy bien, muy bien”.

Gatica, el mono (1993, L. Favio) tuvo la particularidad, en su momento, de arrebatar con la noticia (de color) de que su protagonista, Edgardo Nieva, se había sometido a algunas cirugías plásticas con el fin único de alterarse el rostro y parecerse a José María Gatica, el boxeador cuya vida – en la película de Favio – traza una parábola paralela a la vida del movimiento peronista (o, como se lo podría llamar ahora, “el primer peronismo”, el “peronismo de Perón”).
Nacimiento, apogeo, decadencia y destrucción (literalmente: golpe y aplastamiento) que Gatica y el Peronismo vivieron a la par.

Sobre ese paralelo se trata Gatica, el mono.

Apogeo en paralelo
El José María Gatica de celuloide sigue la huella del real.
El real, sigue la huella del Peronismo.

Gatica llega de pibe a Buenos Aires en 1932, con la madre y un hermano – colados en un tren -. Llega desde el interior, desde la Villa Mercedes ubicada en la provincia de San Luis (la Villa Mercedes de Buenos Aires, no por nada, es la capital argentina del boxeo).

Pobre, negrito, provinciano, Buenos Aires, la Reina del Plata, en plena Década Infame, le ofrece un sitio privilegiado – luminoso, de prosperidad discutible pero en cómodas cuotas - en Constitución. Gatica entrena por ese entonces la diestra y la siniestra con la que barrería algunos rings pero únicamente lustrando zapatos. De sus manos viviría el hombre durante varios años más. Por lo menos hasta la década del `40.
A falta de una pera, buenas son las suelas.

También por ese entonces Perón constituía sus primeras armas.
Mientras en octubre de 1945 Perón se asentaba por fin donde correspondía – y colaboraba para que lo hicieran también tantos pobres, negritos, provincianos -, Gatica se sube al ring – las manos endurecidas por el lustre, el justo resentimiento entre ceja y ceja – y por fin se registra rápidamente donde correspondía.
El apogeo es mutuo y compartido.

Gatica, el mono establece esta comparación: mientras a Perón, en el gobierno, la “oligarquía” lo llama tirano o fascista, a Gatica, en el ring, lo llaman “mono” – “mono las pelotas, papito”, dice Gatica – y, fuera del ring, se le burlan – comprensiblemente – por el grotesco de un lumpen que viste traje blanco y a duras penas se muestra presentable en los mismos cafetines para pitucos.
A razón de golpes reglamentarios y dinero bien habido, Gatica accede a espacios donde, de todos modos, no es bienvenido. Es un ídolo popular en las calles y, a la vez, una mancha grasienta en la dignidad de “la gente bien”.
El Gatica de celuloide, por momentos, reúne en su lógica de apogeo peronista los estigmas y los dones de Perón y Evita juntos.

Dos potencias se saludan
La escena paradigmática: en el Luna Park, Gatica vence y el General Perón lo contempla desde el ring-side. El General se le acerca, lo abraza; Gatica – bañado en sangre, embanderado con la celeste y blanca – le grita “¡mire cómo ruge la leonera, General!”. Dos potencias se saludan.

Gatica siguió peleando y siguió ganando. Se casó y tuvo hijos. El General Perón fue el padrino de uno.
Cuando terminaba el primer gobierno justicialista, el Mono – "mono las pelotas, papito, y yo soy Gardel" – va a pelear a Estados Unidos. Pierde estrepitosamente. Comienza el segundo gobierno peronista en 1952.

Decadencia en paralelo
En 1953, Gatica tiene su última pelea. Pierde – y no le queda resto sino para retirarse – el 16 de septiembre de ese año. El 16 de septiembre de 1955, el General Perón es derrocado.

El líder se exilia y la Revolución Fusiladora prohíbe nombrarlo. A Gatica se le prohíbe boxear y se lo expulsa de las debidas instituciones boxísticas.

Perón y Gatica se convierten en (políticamente) impresentables. Los sucesivos gobiernos de facto tienen que negociar siempre con el líder en el exilio para subsistir. A Gatica, en todo caso, le toca negociar con quienes tuvieran algo que ofrecerle para subsistir.
Trabaja un tiempo para otro boxeador, Alfredo Prada. Le paga para que se siente en la puerta de su cantina y salude a los comensales – “buenas noches, mucho gusto; buenas noches, mucho gusto” -. Gatica es una sombra que se emborracha. Lo pierde todo – como el peronismo – y vuelve a la indigencia originaria.

Trasvasamiento
Martín Karadagián – cuando Gatica ya estaba lo que se dice “en la lona” – lo convoca para algunas de sus peleas de catch. En una de esas peleas bobas, Karadagian le lastima de por vida una pierna al boxeador.

Leonardo Favio aprovecha esta circunstancia: José María Gatica había sido el ídolo popular, un boxeador verídico, durante los años de esplendor del peronismo legítimamente democrático. Ahora, en cambio, la farsa payasesca del catch es la que impone ídolos más bien ridículos (momias, enmascarados y estupideces parecidas). La institucionalidad republicana también es otra farsa acorde con la de estos rings: más del 50% del electorado tiene prohibido votar por su candidato real – el General Perón – y entonces desfilan por el Poder (más simbólico que real) momias y enmascarados y estúpidos afines.

Gatica – uno entiende mientras mira la película de Favio - no es el único que cojea irreparablemente hasta el fin de sus días.

El Mono – “mono las pelotas” – muere arrollado por un colectivo cerca de la cancha de Independiente, donde se dedicaba a vender chucherías para subsistir, en 1963. Diez años después, el General retornaba a Argentina. Al año siguiente, muere.

Gatica, el mono fue exhibida a manera de premier privada en el cine de la Quinta de Olivos. El anfitrión de la jornada fue el presidente justicialista Carlos Saúl Menem; el boxeador del momento, Látigo Coggi.

Se cerraba un trasvasamiento.

El Último Beso (L'Ultimo Bacio) - 2001

2006-07-26T21:15:00.000-03:00

Bueno, mi primera crítica de cine no hollywoodense. En este caso es de una película altamente recomendable, una pequeña joya escondida que por lo menos aquí en Argentina, tuvo muy poca difusión.

De todo el cine europeo, el cine italiano es sin dudas el que más me gusta (disculpas y saludos a mis amigos bloggers españoles), aunque actualmente está en decadencia. De todas maneras, “El Último Beso” es una película de una calidad insoslayable, escondida. Creo que es para un público netamente masculino.

La verdad es que no sabía si iba a hacer crítica de este film, pero lo cierto es que cierta situación con mi pareja en la actualidad, me hizo recordar mucho esta película, y si bien en mi caso no hay infidelidades de por medio, los conflictos internos, las dudas, el no saber hasta dónde dar y dejar de dar es algo que me toca y por qué no, duele.

La peli va de un grupo de amigos en plena crisis de los 30, con algunos casándose, otro solterón empedernido, algún baby de por medio y todas esas situaciones características de la edad. Cada uno de diferente manera siente que su vida está tomando un rumbo que lo asusta y el miedo a encarar las responsabilidades que tooooodo eso implica. Por ejemplo, el protagonista “sufre” el hecho de que una rubia PRECIOSA (realmente lo es) de 18 años lo encare justo cuando su novia acaba de quedar embarazada. ¿Quién no entraría en crisis? ¿Quién no dudaría por lo menos un momento? Bueno, no le voy a contar la historia del resto de los amigos, pero les digo que es prácticamente imposible como hombre no sentirse identificado con alguno de los personajes. ¿Qué nos pasa a los hombres? ¿Por qué nos cuesta tanto emprender una relación como lo hacen en las comedias románticas, tener esos amores ideales de película? ¿Por qué las mujeres nos dejan cuando queremos actuar como Humphrey Bogart? ¿Por qué nos dejan también si somos tan sensibles como Richard Gere en “Pretty Woman” o Ewan McGregor en "Moulin Rouge"? El cine influye mucho en nuestras vidas, pero ciertamente es muy difícil vivir como en las películas. Y así como nosotros queremos ser Mel Gibson en “Lo que ellas quieren”, ellas quieren tener su amor ideal, ser “Sabrina” por un rato y tener aquel hombre que las agasaje como en “Dulce Noviembre”, aquel que renuncie a todo por ella como en “Secretaria Ejecutiva” o inclusive sepa dejarlas ir sin una lágrima para que sean más felices como en “Casablanca”. No, chicas no. No, chicos no. El amor no es como en el cine, es más difícil; y ni nosotros somos Humphrey ni ustedes son Ingrid Bergman. Y ahí es donde entra “El último beso”, arroja un rayo de realidad, nos hace saber que patéticos podemos ser y cómo, de vez en cuando, podemos hacer las cosas bien.

Por supuesto, las actuaciones son geniales, particularmente me gusta como actúa la novia del protagonista, pero no hay puntos bajos en nadie del reparto, pero eso habla más que nada de una dirección impecable. La verdad es que no la disfruté tanto cuando la vi, pero revisándola en este momento de mi vida, la entiendo más y se me convierte en una pieza maestra.

Se las recomiendo a todos los cinéfilos, no es “West Side Story”, pero es una buena película, sorprendente para el estado del cine italiano actual.

Disfruten.

Piratas Del Caribe: El Cofre De La Muerte (Pirates Of The Caribbean: Dead's Man Chest) - 2006

2006-07-24T16:08:00.000-03:00

Luego de un leve abandono a la blogósfera por una semana por problemas laborales, vuelvo al ruedo.

En esta ocasión la víctima es la nueva “Piratas del Caribe”. Mal digo víctima, porque son muchos más los halagos que tengo para hacer que los dardos para tirar. La nueva película de Disney es una montaña rusa de aventuras. Todo lo que nos entregó la primera y un poco más también. Por supuesto, olvídense de verla si la primera no les gustó.

Con mis cortos 22 años, no tuve la oportunidad de apreciar aventuras de piratas en el cine como algo cotidiano. Todos los amantes de ese subgénero del cine de aventuras reverencian esta película, pero esto es hablar por boca de jarro. Sí puedo decir, en cambio, que el entretenimiento que brinda “Piratas…” encuentra paralelo sólo en la saga de “Indiana Jones”, remitiéndonos al cine moderno, con el plus de la nueva frontera lejana para la imaginación que plantean los efectos especiales digitales.

Toda buena saga necesita un buen protagonista. Nadie mejor que Johnny Depp, en la cúspide de su carrera y en un punto en que ya no necesita demostrarle a nadie que es buen actor, después de representaciones impresionantes como la de “Descubriendo el País de Nunca Jamás”. El Capitán Jack Sparrow es un personaje que será recordado siempre, porque tiene un carisma muy poco visto en el cine. Y huele a Keith Richards aún más que en la anterior. Parece que el tan esperado cameo viene en la próxima…

El resto del elenco está bien, sobre todo el malo de turno, Bill Nighy, más recordado por su rol de rockero decadente en “Realmente Amor”, que realiza una buena labor a pesar de estar escondido en kilos de maquillaje digital. Keira Knightley no se destaca pero su personaje toma un giro más que interesante llegando al final de la película. El más flojo, como siempre, es Orlando Bloom, un típico caso de empecinamiento hollywoodense por inventar estrellas cuando no hay. Es un muy mal actor que con un muy buen representante. Es uno de esos actores que me recuerda el insuperable monólogo (YouTube) de Chris Rock en los Oscar. Hollywood, ¡ESPEREN! Si quieren un Brad Pitt, un Mel Gibson, ¡esperen! No agarren al primer boludo que esté dando vueltas sólo porque hizo de Legolas...
Una perlita: la aparición sorpresa de cierto personaje de la primera hacia el final, no les quiero contar quien.

Acción, acción y más acción. No les quiero arruinar nada de la trama, sinceramente, es otra experiencia fílmica de primera clase (le voy a poner copyright a la frase). Simplemente en esta ocasión les sugiero que dejemos el infante dentro de nosotros divertirse un rato. Hagan como yo, lleven a sus hermanos más chicos, y vean una buena de piratas. No se van a arrepentir. Eso sí, es necesario haber visto la primera... No sea cosa que se pierdan los guiños.

Superman Regresa (Superman Returns) - 2006

2006-07-17T15:44:00.000-03:00

Clásico. Muchas vueltas en la cabeza, y esta palabra vuelve una y otra vez a surgir cuando analizo la nueva "Superman Returns".

Esta es una película para soñar, viajar, transportarse por un rato a ese maravilloso mundo que nos da el cine, con mucha fantasía y acción. No se busca el realismo, no se busca el cine político, es solo cine, y del mejor. Bryan Singer devuelve la frescura al cine de superhéroes, de la misma manera que lo había hecho con “X-Men”, o Christopher Nolan lo hizo con “Batman Begins”.

Volviendo al concepto principal, este filme huele a clásico. Porque respeta la tradición instaurada por Richard Donner en 1978 con “Superman”. Porque olvida que existió “Matrix”. Los títulos principales comienzan con el distintivo tema compuesto por John Williams, suficiente para ponernos la piel de gallina a todos los cinéfilos empedernidos. La voz de Marlon Brando como Jor-El, su padre biológico, hace aparición en momentos decisivos y provoca la misma reacción. Y el cine aplaude. Y todos sonreímos.

Propongo un ejercicio de comparación. “Spider-Man” es el caballo de batalla de Marvel, la competencia. En esa película, los diálogos son trillados y pobres, los efectos impresionantes y la historia endeble. Se concentra en la acción, en el “wow” que arranca a los espectadores. En esta, es lo opuesto. Los efectos están en función de la trama y son muy superiores, porque no se nota que son efectos. Alguien alguna vez dijo que los buenos efectos especiales son aquellos que no se destacan, sino que son funcionales a la película. Gracioso detalle, el personaje de Jaime Olsen, un lamebotas patético de Clark Kent, se parece bastante al de Peter Parker. Robándole palabras a un crítico amigo, lo que esta película hace es tomar el mundo del comic en serio, hacerlo solemne y posible: no ironiza y no ridiculiza, sino que engrandece. Habrá quien le guste más el otro enfoque…

Realizar esta pieza eficientemente era una tarea muy complicada. No decepcionar, no caer en lo gastado, innovar y a la vez remembrar, era lo mínimo indispensable, y se cumple. Las actuaciones son impecables, el acierto de usar actores desconocidos como Brandon Routh y Kate Bosworth (¡qué bonita es!) para los papeles principales no genera falsas expectativas y Kevin Spacey encarna un Lex Luthor más cínico y superior que el de Gene Hackman. También, creo que ningún actor podría realizar un Perry White mejor que el de Frank Langella.

Punto débil, quizás es la aparición de cierto vástago de Lois Lane y la falta de desarrollo de Clark Kent como personaje, el alter-ego de Superman como bien supo decir Bill en uno de los mejores monólogos del cine actual. Pero son detalles menores, no deja de ser un clásico. Después de todo, Clark Kent es bastante pelotudo.

Una nota aparte merecen todos los símbolos mesiánicos puestos a través de la película: Jor-El diciendo que envía “su único hijo” para servir de guía, Superman bajando desde las nubes con un halo de luz detrás, o cayendo desde el cielo con los brazos en forma de cruz para después “resucitar”, y hay más. Un detalle nomás...

En resumen, es una película impresionante, era una injusticia que Superman no tuviera su revival, entre tanta remake basura. Los 150 minutos pasan rápido y dan ganas de quedarse en el cine para que la vuelvan a proyectar. Hay quienes aplauden de pie. Yo me sumo.

Gracias Singer, gracias. Hollywood aún no está muerto. Tiene mucho para darnos.

Cars (2006)

2006-07-10T15:00:00.000-03:00

Las necesidades del mercado… Hasta hace un par de días, estaba convencido que Pixar era la única productora de cine infantil que sólo hacía productos de calidad. Lamentablemente, esa situación deja de ser tal.

“Cars” es una película del montón, de esas que salen todos los meses para chicos de animación digital. No es demasiado graciosa, ni demasiado entretenida, ni demasiado tierna, ni nada. “Shrek” era comedia de primera clase, “Los Increíbles” (a mi entender la mejor película de animación digital a la fecha) era aventuras con la máxima adrenalina, “Buscando a Nemo” resucitaba el cine para los chicos más chicos sin tanto guiño para adultos… Pero Cars se queda a mitad de camino en todo.

Mi pregunta radica en el por qué se hizo la pieza. Este iba a ser el último trabajo de Pixar con Disney antes de la independización que nunca ocurrió, antes de la compra del gigante. La lista de películas de relleno que se vienen sucediendo en esta rama es interminable: "El Espantatiburones", "El Expreso Polar", "Chicken Little" (¡malísima!), "Madagascar", "Vida Salvaje"… Y puedo seguir.

Soy un amante de la animación, creo que es un sub-arte dentro del cine. Lamentablemente, no escapa al efecto Hollywood de realizar secuelas innecesarias, películas de relleno o simplemente para contrarrestar a la competencia. Aún no vi “Vecinos Invasores” pero no parece que escape a esta tónica.

Aparentemente, estos supuestos cráneos comerciales no entienden que existe un fenómeno en el marketing que se llama “saturación del mercado” y que sucede con el exceso de oferta. La historia se repite, y cuando explote este fenómeno sucederá lo mismo que en la década de los 70’ y 80’, con una escasez total de películas de animación. Los chicos también se cansan…

Volviendo un poco a la película, no llega a ser aburrida, se pasa el rato, pero son pocas las sonrisas que arranca. Eso sí, es indiscutible la calidad de la animación y la vanguardia que Pixar representa en este aspecto técnico. Falla el guión, la historia y el carisma de los personajes. Entre las voces, rescato el poder de Paul Newman que hasta con la voz actúa bien, inmortal. Owen Wilson tiene menos gracia que un potus y nadie del resto del reparto se destaca.

La historia va de un auto de carreras que, a punto de ganar el premio de su vida, se pierde en medio del desierto y queda varado en un pueblo en medio de la nada. Ahí deberá convivir con personajes que considera “patéticos” pero que aprende a querer. Moraleja, palo y a la bolsa. El autito aprendió que no todo en la vida es fama y mujeres, también hay amistades y chicas con cerebro que nos pueden enseñar una lección. Bla bla bla. Todo muy para críos de Red Neck

Lo mejor es el corto al principio de la película, una tradición de Pixar. El corto lo produce Brad Bird, un genio impresionante de la animación que sólo encuentra paralelo en el insuperable Chuck Jones. Una joyita, “El hombre orquesta”, nominación al Oscar prefijada.

Quedan migajas.
¿Será que me estoy poniendo viejo?

Las Mujeres Perfectas (The Stepford Wives) - 2004

2006-07-07T15:52:00.000-03:00

Cómo conseguir a la mujer perfecta… es un interrogante muy imperfecto, ¿no creen?

El otro día el zapping del cable me llevó a Cinecanal y tuve que rever contra mi voluntad esta pieza de Frank Oz, que antes de ser director de cine, era… ¡titiritero! Gran amigo de Jim Henson, es nada más y nada menos la persona detrás de Yoda, ese personaje tan particular de Star Wars.

La película, en tono de comedia dramática, relata como, tras una crisis nerviosa, una importante ejecutiva de una cadena televisiva (Nicole Kidman) es conducida por su marido a un pequeño pueblo de Connecticut para millonarios llamado Stepford. Hasta ahí nada fuera de lo común, hasta que se revela que, en este pueblecito, las mujeres son robots, rubias perfectas que se visten como en la década del 50. Otra cosa que mucha gente no sabe, es que este filme es una remake de un filme setentoso, que tenía tono de película de suspenso.

En los 70’, tenía mucho más sentido realizar este tipo de película, ya que estaba en pleno auge la liberación femenina y el gran miedo de los hombres mediocres a que las mujeres les saquen el trabajo. Hoy, sin el tono de comedia, la película no sirve ni para cable. Se pierde ese mensaje de trasfondo.

Creo que “Stepford Wives” es la demostración más fehaciente de que uno puede contratar a los mejores actores de primerísima línea, con un buen director, y así y todo hacer una basura si el guión no es consistente. La película es una constelación, con nombres de la talla de Christopher Walken, el líder masculino de Stepford; Glenn Close, la líder femenina y Bette Midler (no la banco, pero es estrella), una escritora exitosa y sucia amiga de Kidman. La cuestión es que todos estos nombres no sirvieron para dar fuerza a una pieza que falla esencialmente en su guión.

Les cuento la historia. Resulta que originalmente la película planteaba que a las mujeres les reemplazaban el cuerpo por uno robot, transplante de cerebro incluído. Se hicieron lo que se llama screeners, testeo con audiencias y ejecutivos del estudio, y parece que no gustó. Para nada. Había escenas, que se pueden encontrar en el DVD, como una de Bette Midler girando a lo loco y abriendo su pecho para entregar un pastelito recién horneado. Pero no. Entonces se decidió que las mujeres no tendrían cuerpos robots, sino que sólo se implantarían chips en sus cerebros.

Esto trajo aparejado re-shooting, filmación de nuevas escenas en la post-producción y un cambio en la edición. Un director disconforme también. Así es como en la película se notan los parches, y quedan muchas incoherencias. A saber: Una mujer que funciona como cajero automático, Bette Midler poniendo su mano en el fuego, otra lanzando chispas, y la lista sigue. El más grosero, cuando Kidman va a encarar su transformación, ¡se ve el robot que la reemplazará! Un papelón.

Es claro y obvio que Frank Oz había planteado una película fantasiosa y bastante caricaturesca, y no lo dejaron. Todavía le guardo respeto por comedias muy buenas como “Bowfinger” o “¿Es O No Es?”

Muy pasatista. Para un domingo a la tarde.

PD: Que linda que es Nicole, les dejo unas fotitos.

El Código Da Vinci (The Da Vinci Code) - 2006

2006-07-03T11:09:00.000-03:00

Me dormí. Me da vergüenza admitirlo, pero me dormí en el cine. Sí, después de una larga resistencia, y de esperar que la marejada de pelotudos dejara de llenar el cine para verla, decidí ir a ver El Código Da Vinci. Hace 10 años que voy una vez por semana al cine y sólo me dormí 2 veces. Esta fue una de ellas.

No voy a entrar en la polémica trillada, no pienso hablar del Opus Dei o de si Jesús debía ser virgen o no. De todas maneras no entiendo cuál es el gran cuco de que la gente vea la película. Siendo católico me pregunto, ¿queremos fieles cuya fe es tan endeble que se cuestionan en base a semejante película boluda? ¿Por qué no la ven antes de pedir que la prohíban?

Todavía no entiendo por qué la crítica se sorprende tanto que la película sea mala. Si bien tanto los actores como el director supieron darnos varias obras de arte, cualquier persona que leyó el libro debía saber lo que se venía. El libro era una verdadera basura, ¿por qué la película no habría de serlo? Y ahí exactamente se encuentra el problema del filme, ser fiel al libro. La historia podría haberse hecho fílmicamente atrapante, modificar y corregir los errores en los diálogos, establecer una línea histórica y no mostrar flashbacks, recurso barato si los hay. En fin. Muchas cosas.

De todas maneras sí me sorprendió que las actuaciones fueran tan malas, exceptuando a Paul Bettany, que logra asustar con su Silas y en menor medida a Ian McKellen. Tom Hanks nos tiene acostumbrados a actuaciones estupendas, sin embargo aquí nos defrauda. Se lo ve sin muchas ganas de actuar, y el guión no ayuda. Pero bueno, todos tenemos que comer, ¿no? También me sorprendió que Ron Howard, que no es un genio pero se las rebusca, no le diera ritmo a la película. Todo deja una sensación como de a las apuradas, hablan rápido, llegan rápido a todos lados, todo pasa muy rápido, y sin embargo la película es aburrida. Y hacia el final toda esa aceleración se resuelve en un final aburrido, chato. Como el del libro…

Son realmente ridículos los flashbacks históricos. Molesta también la cara de papa frita que tiene Autrey Tatou durante toda la película. Y el final, el final es tan malo. Para mí que no escribieron un guión. Para mí que agarraron el libro y filmaron directo de ahí. El libro es puro diálogo, no hay desarrollo, así que servía. Para mí que hicieron eso y así les quedó.
Le perdí respeto a Ron Howard. No así a Tom Hanks, tiene que hacer mucha basura más para que se lo pierda, me sigue pareciendo un grande.

Un tema aparte es el tema de la espantosa cantidad de gente que la fue a ver. No dejo de preguntarme como es posible que, si todo el mundo dice que es mala o regular, siga habiendo gente que la quiere ir a ver. No me digan que es una cuestión de polémica, porque no recuerdo cines llenos con “La Última Tentación de Cristo” (mucho mejor película, y más hereje también). No me digan que es una cuestión de publicidad, porque no sucedió así con "Misión Imposible III". Pero bueno, son cosas que me exceden. Como el fanatismo por Harry Potter. Como la existencia de ShowMatch en nuestra televisión.

El Código Da Vinci es, señoras y señores, una basura de película.

PD: ¡Es tan gracioso ver una mesa de pool en medio del Vaticano!

Noche Diabólica (Reeker) - 2005

2006-06-29T14:37:00.000-03:00

Figurita repetida. Me considero un seguidor del género del terror. En el último año, cansado de tanta bazofia estilo “La llamada”, me metí de lleno en el cine clásico de horror bien gore, por el gusto de ir a contramano.

Reeker se encuentra a mitad de camino. Ni muy gore, ni muy fantasmal. De nuevo la nunca faltable premisa de los adolescentes tardíos queriendo divertirse, en esta ocasión yendo a “la mayor fiesta en la costa Oeste” en el medio del desierto. Hasta ahí mucho lugar común. Los personajes son estereotipos clásicos del género. La película tarda un poco en arrancar, hasta que llega la noche y la gente muerta empieza a aparecer, pero cuando arranca, entretiene. No podemos esperar demasiado de un filme así, lo sabemos. Sin embargo, con un presupuesto bajísimo, logra bastante más de lo esperado. Debo admitir que fui con las expectativas más bajas, pero me divertí más que con el Código… Por lo menos en esta no me quedé dormido…

A esta pieza la salva el final. Una vuelta de tuerca que le pone un poco de pimienta a lo que venía soso, con un concepto muy parecido al de “Stay” (ver crítica), con la diferencia que aquella es una buena película y esta no. Pero básicamente volvemos a lo de siempre, el final sorpresivo, que de tanto finales sorpresivos dando vuelta ya no sorprenden. Desde que Sexto Sentido innovó en ese sentido, las películas se hacen al revés. Ejemplos simples de esto son Saw, Saw II, Identidad, Alta Tensión, etc, etc. Lo que nadie dice, es que esto no lo inventó M. Night Shyamalan sino el maestro, único genio, Hitchcock. Un abrazo a Norman Bates y su mamá.

La cuestión es: las actuaciones son malas, el guión mediocre, y no se crea demasiado suspenso, pero hay buena puesta en escena y milagros hechos con presupuesto bajo a nivel efectos especiales, edición, etc. Se pasa el rato, no apto para quienes no son fanáticos del género.

El dato de color: Hace un papel chico el malo de “El Vengador Del Futuro” (Total Recall). Gracias Juan Manuel por la observación. Un verdadero fisonomista.

Lo interesante es que uno se entera al final quien (o que) es el asesino, y es divertido darse cuenta del por qué de cada detalle visto anteriormente. Divierte encajar las piezas del rompecabezas, y eso engancha y deja una buena sensación al salir del cine. Y así, todos caemos en el juego de la película pochoclera, con lo cual se puede decir "Prueba superada!", ya que cumple con el único objetivo inicial de entretener.

Una nota aparte: No soy partidario de la pena de muerte, pero no miraría con malos ojos un fusilamiento a los cráneos (vacíos) que realizan la traducción de los títulos en nuestro país. “Reeker” significa “el que apesta” o “el que hace heder”. Difícil traducción, sí, ¿pero como se llega de eso a “Noche diabólica”? Un papelón. Estaría bueno que por lo menos vean la película si le van a cambiar el título. Algunos ejemplos:
- Unbreakable (Irrompible) = El Protegido
- Over the hedge (Sobre el seto) = Vecinos Invasores
- The Hills Have Eyes (Las colinas tienen ojos) = El Despertar Del Diablo
- The Break Up (La ruptura) = Viviendo Con Mi Ex
- The Squid And The Whale (El calamar y la ballena) = Historias de familia
Y estos son ejemplos recientes, la lista sigue en la historia. BASTA! NO HAY PERDÓN! JUBILENSE!

Arma Mortal (Lethal Weapon) - 1987

2006-06-20T10:50:00.000-03:00

Es difícil sentarse a escribir la crítica de una película a la que uno le tiene afecto. Una película que uno vio mientras crecía, mientras entendía de a poquito lo que es el cine y, sobre todo en este caso, el entretenimiento enorme que puede ser.
Cerca de mis 15 años mi fiebre por el cine era enorme. Estábamos en pleno 1 a 1 y tener cosas como DirecTV o uso ilimitado de VHS era algo normal para un clase media como yo. En medio de esa vorágine de comprar videos y grabar películas de HBO, descubrí la saga de Arma Mortal, que había visto de muy chico, tanto que para ese entonces solo recordaba la imagen de Mel Gibson corriendo un auto (todavía me sigue impactando).
Pero bueno, es bastante poco lo que se puede decir de una película que todos vimos, que inventó un género, que lanzó al estrellato al gran actor Mel Gibson, en la piel de Riggs. Para todos los que no lo saben, el título se refiere a él, el arma mortal.
La película es una clase del cine de acción, con personajes bien construidos, imperfectos, pero muy queribles.
Con motivo de la adquisición reciente de un minicomponente con 5.1 y DVD, mi hermano decidió ver alguna película y me enganché en la onda. Revolviendo mi colección de DVDs, el pendejo me salió con esta joyita a la que no pude decir que no.
No nos tenemos que olvidar que Arma Mortal inventó un género en sí, esa pareja poco usual de opuestos para resolver crímenes, que bien repetida sigue dando réditos hasta hoy en ejemplos como “Rush Hour” o la local “Tiempo de Valientes”, y una gran mayoría de imitaciones berretas. Y es para mí una reivindicación que las 4 partes las haya dirigido el nunca bien ponderado Richard Donner.
La verdad, nadie puede decir que estas películas son malas sin ser herejes del cine. Es difícil no hipnotizarse durante toda la película, ¿o me van a decir que no se enganchan cuando la están dando en el cable?
En fin, no hay nada técnicamente destacable en el filme, simplemente su frescura, su originalidad, su fuerza. Y eso la hace un clásico. ¡Ah! ¿Cuántas películas se animan a decir que los traficantes de drogas son americanos y no colombianos o rusos o lo que sea? Encima héroes de guerra. Hoy en día les harían cambiar el guión… y la protagonizaría algún boludo como Colin Farrell..
Se destaca además la banda sonora, bonita como es, compuesta básicamente por saxos y guitarrita eléctrica. ¿Quién es el responsable? Nada más y nada menos que Eric Clapton, el genio. Otro punto fuerte es la escena de lucha final, con Riggs y su antagonista peleando en el barro, ¡Con Jiu Jistu incluído! Una joyita.
Ay ay ay, mi querido Hollywood, supiste darnos tantas alegrías, ¿por qué hoy nos das tanta porquería?

IMdB

El Señor de la Guerra (Lord of War) - 2005

2006-06-13T09:57:00.000-03:00

El Señor de la Guerra. Repito el título no por reduntante, sino para enfatizar su significado. En la traducción del mismo se pierde el error gramatical que caracteriza y brinda poder adicional al título. "Lord Of War" debería decirse "War Lord" (Nicolas Cage se encarga de aclararlo en la película). La significancia es equivalente a que digamos "El señor de las todas las guerras" en lugar de "Señor de la guerra", para los que no saben inglés.
El filme desarrolla el ascenso de un ucraniano, Yuri Orlov, (Nicolas Cage) de pobre inmigrante de Estados Unidos a dios del tráfico de armas de la ex URSS al resto del mundo, pero para los intereses norteamericanos. En su muy peculiar "camino del héroe" lo acompañan su hermano, su esposa e hijos, pero a la vez se encuentra siempre solo.
¿Cómo tratar el problema africano? Es algo que Hollywood no sabe hacer muy bien. Todavía no queda muy claro cómo lograr que los negros africanos no se vean distintos, sino como seres humanos; no se vean lejanos, sino como una realidad tangible. Porquerías como "El jardinero fiel" transmiten exactamente eso, generando una sensación similar a la que tenemos cuando vemos un perro enfermo, lástima, pena. Nada más. Todo muy televisivo.
La película en cuestión trata la problemática de una manera muy diferente. No son "negros matándose" sino "gente matándose". El hecho que sean negros es meramente circunstancial. Si bien la problemática de Liberia o África en sí no es en ningún sentido el centro de la película, está tratada como pocas veces vi en el cine. Destaco esto porque llamó mi atención más que nada, más que la frase "El presidente de Estados Unidos vende más en un día que yo en un año", simplemente porque eso ya lo sabía. La realidad nos cae como un balde de agua fría, sin la anestesia de coros árabes de fondo durante los tiros, o negritos sonriendo para suavizar las batallas. La escena inicial nos muestra el camino de una bala desde su producción hasta como se incrusta en la cabeza de un adolescente africano, lección de cómo empezar una película con un impacto arrollador. Y esto es lo que pasa, esta es la realidad. Tan real como el miedo que tiene nuestro protagonista de empomarse una africana porque "1 de cada 4 tiene SIDA"..
La película merece volver a ser vista, pero no me dan ganas porque salí deprimido del cine. Indignado. Justificando terroristas, y haciéndome un poquito más zurdo. Tres hurras para el director, Andrew Niccol, que se reivindica después de la porquería de S1m0ne. No es un clásico, tiene ciertos puntos bajos, pero el balance final es altamente positivo brindando lo que me gusta llamar "una experiencia fílmica" de primera clase. Es importante no olvidar a nuestro protagonista, uno de los grandes actores de Hollywood, dignificando a su familia de Coppolas...
Ah! Casi me olvido... Ethan Hawke, como siempre, actúa mal, pero aparece lo suficientemente poco.
Entre tanta película pedorra que se estrenó este año, esta vale la entrada. Salud!

X-Men 3: La Batalla Final (X3: The Last Stand) - 2006

2006-06-09T10:53:00.000-03:00

Sentimientos encontrados... un dilema de aquellos, como cuando uno no sabe si prefiere dulce de leche con brownie o granizado... El tema es que X3 está bárbara, pero es mala. Sí, leyeron bien.
Les cuento, se hicieron dos excelentes películas de superhéroes que son X-Men y X2, ambas de un director muy talentoso como es el señor Bryan Singer (sino me creen vean Los Sospechosos de Siempre), que se diferenciaban del 99,99% de las películas de superhéroes en que había un complejo desarrollo de personajes, combinados con escenas de acción de mucha adrenalina. Esta tercera entrega carece de la primera parte (o peor aún, intenta hacerlo torpemente). Lamentablemente BS se alejó para dirijir un superhéroe de aún más nivel, Superman..
Si X3 les gusta, es porque existen las dos anteriores. Si Mr. Singer no se hubiera ocupado de crear personajes fuertes, con historias de fondo y caracteres claros, esta película sería una porquería. La acción se desarrolla muy vertiginosamente, casi no da respiro, lo que genera entretenimiento en grandes dosis, pero no existe poder alguno en el guión o en las actuaciones. Nada. Y si nos simpatiza Wolverine (Hugh Jackman) o nos calienta Storm (Halle Berry) es porque vimos las previas piezas.
También se plantea la pregunta: ¿Por qué mierda matan a tantos personajes? ¿Por qué no lo matan a Iceman que es un pelotudo en vez de a los importantes? Eso se llama falta de recursos... O también se puede llamar "Queremos que Halle Berry sea la líder, así que matemos a todos los que estén en el medio porque sino no nos quiere actuar la negra!" si hacemos casos a las malas lenguas... Supongo que todos los seguidores de la historieta van a poner el grito en el cielo, si a mí que solamente miraba el dibujito me molestó un poco.
¿Será por el director? Brett Ratner es un muchacho que ya nos había dado una tercera parte mediocre de una franquicia, Dragón Rojo, precuela del clásico El Silencio de los Inocentes y de Hannibal. Y como en ese caso, no explota ni desarrolla nada, se agarra de los testículos de lo que otros hicieron.
Pero bueno, poderes mutantes, efectos especiales de primera, nos llevan a 92 minutos que saben a poco pero arranca algún que otro "WOW!" Excelente para unos pochoclos en un buen cine. No más que eso.

PD: QUE BUENA ESTÁ HALLE BERRY, sino VEAN, o VEAN

IMdB

Tránsito (Stay) - 2005

2006-05-31T11:53:00.000-03:00

Emocionado con el blog como estoy, cuando terminé de ver esta película, lo primero que pensé fue qué difícil iba a ser elaborar una crítica. ¿Por qué? Porque es un filme complicado y complejo, que requiere análisis y deja muchas cuestiones abiertas al espectador.
Este filme, que en nuestro país va (¿o fue?) directo a video, es la cuarta película de Marc Forster, un alemán que nos dio muy buenos pasares con Monster's Ball o Descubriendo el País de Nunca Jamás. Por lo visto, tiene gran talento dirigiendo actores, y un poder de convocatoria bastante fuerte. En lo que a aspectos técnicos se refiere, la película es grandiosa, porque tiene una edición y una cinematografía que genera lo que el director busca: confusión, opresión e impacto visual.
La trama desarrolla como un psiquiatra (Ewan McGregor) trata de evitar que uno de sus pacientes se suicide, un joven universitario deprimido (aparentemente muy común en Norteamérica) interpretado por un hasta ahora ignoto Ryan Gosling. A su vez debe lidiar con su propia mente y levantar la caída moral de su novia que arrastra un intento de suicidio reciente, la siempre hermosa Naomi Watts.
A medida que transcurre la pieza, todo se va volviendo más confuso y desdibujado, explicado en la lógica del final, si es que tiene alguna. Vale la pena advertirle a todos los que les molesta que una película "no cierre" que van a terminar muy ofuscados si deciden verla. La experiencia es similar a la que genera Mulholland Drive (El Camino de los Sueños), sin pertubar tanto ni estar acompañada por el talento de David Lynch. Inclusive la resolución es similar, un poco más mainstream quizás.
La conclusión es una película que atrapa por los interrogantes que genera, por el "querer saber qué está pasando" que crea la trama, ayudado por actuaciones impecables. La experiencia fílmica es buena. Dicho por el propio director, no hay una sola interpretación, cada espectador le da la propia. No apta para impacientes.

Ah! Me olvidaba. Aparece el groso de Bob Hoskins en un pequeño papel.

Tránsito (Stay) - 2005

Alta Tensión (Haute Tension) - 2003

2006-05-22T11:54:00.000-03:00

Todavía estoy contracturado. Esto es, de estar tan agarrotado en la butaca del cine mientras veía esta película, de uno de los directores que se proyecta para sacar al género del terror del pozo de tanta basura que se anduvo produciendo últimamente.
Atención, si no les gusta el género de terror con mucho gore incluído, (sangre, chocolate, o como quieran llamarlo) esta película no les va a gustar. Llegó a nuestras salas por el éxito de "El despertar del diablo" (altamente recomendable) en USA, que trajo aparejado el estreno de este film francés del mismo director, Alexander Aja. Este muchacho se perfila como la persona indicada para resucitar el género del terror, en su rama más gore, que había perdido terreno frente a lo sobrenatural de "La llamada" y sus copias, y el terror irónico de "Scream".

Nada que ver, este es otro tipo de película. Una que logra ponerlo a uno muy nervioso con su puesta en escena, sus encuadres, y sus personajes que renuevan estereotipos del terror clásico. Mi novia me odia por llevarla a ver estas películas, de tan mal que se pone. Y eso no es todo, el director se preocupa por elaborar a los personajes, por armarlos antes de verlos morir sanguinariamente, para que nos duela más. Y lo mejor de todo, no tiene problemas en incurrir en golpes bajos, como cierta escena con un nene de por medio que no quiero arruinarles, o la de mutantes violando una adolescente en "El despertar...". Esto lo hace diferente de lo que nos tiene acostumbrados Hollywood, con adolescentes tratando de divertirse metiéndose en manos de un asesino, al estilo de la decepcionante "Hostel", como queriéndonos decir "el sexo fácil y el alcohol te traen problemas, y más aún divertirte".

Esta pieza trata sobre una joven que va a la casa de su amiga en la campiña francesa para estudiar, cuando un asesino irrumpe en medio de la noche en la casa sin explicar por qué y sin miramientos. Ahí se desarrolla la trama, con la protagonista queriendo salvar a su amiga y a su vez a sí misma. La película entretiene y te mantiene pegado hasta un imprevisible final, mucho más sorpresivo que el de la triste "Mente siniestra" pero menos impactante que el de "Identidad". Vale la pena ver, sólo si sos lo suficientemente sádico.

Alta Tensión (Haute Tension) - 2003

La Prueba (Proof) - 2005

2006-05-18T10:54:00.000-03:00

Sorprenderse en el cine. Es algo que hace tiempo no me pasaba. Ojo, no nos apresuremos, no estamos hablando de una obra maestra, pero fui al cine con las expectativas de ver una obra teatral filmada (algo que detesto), tales eran las críticas y comentarios que tenía de la película. Y claro, el cine y el teatro son dos formas de arte emparentadas pero muy diferentes.
En vez de eso, encontré una película poco pretensiosa, que narra suavemente como la hija de una eminencia de la matemática intenta asimilar la muerte del progenitor desarrollando, a la vez, su propio yo.
En la película se destaca la actuación de Gwyneth Paltrow (¿estará bien escrito?), de un nivel superlativo. Desarrolla un personaje lleno de defectos, pero querible y sin el cual la película, literalmente, no existe. La pieza se apoya en su actuación y en su personaje, en sus procesos internos y en su lucha por ser (y no ser) como su padre. Ese padre, encarnado por un Anthony Hopkins que no destaca pero siempre dignifica, está loco. Los flashbacks de ida y vuelta de la película nos permiten no saber nada antes de tiempo. Ahí salta quizás la primera falencia, una desorientación que se genera por una edición mediocre, donde uno se pregunta “¿esto pasó antes o es ahora?” hasta que surge alguna ubicación temporal.
Fuera de la relación padre-hija, surgen personajes secundarios. El alumno de papá, Jake Gyllenhaal, el interés amoroso, es un personaje básicamente, pedorro. No sé que pasa con este muchacho que aparece en todas las películas pero aún no se lo vio hacer un papel que justifique su carrera fílmica. El otro personaje es la hermana del personaje principal, en directo antagonismo. Surge como necesario para profundizar el gran cuestionamiento de la película, con el que abre: “¿estoy loca?”
La película pierde fuerza al final, con resolución previsible, pero se disfruta casi toda. Con tanta porquería dando vuelta, vale la pena perderse la hora y media que dura y ver actuaciones de verdad.

IMDb